소음, 속도, 즉각적인 반응을 보상하는 경향이 있는 광활하고 때로는 불협화음으로 가득한 현대 엔터테인먼트 시장에서 만인의 아이(원제: O Filho de Mil Homens) 같은 작품의 등장은 단순한 신작 공개라기보다, 마라톤 한복판에서 쉬는 깊은 숨고르기처럼 꼭 필요한 ‘멈춤’으로 느껴집니다.
이것은 단순한 영화가 아닙니다. 거대 자본이 투입된 라틴 아메리카 영화계에서 ‘애정’의 문법을 재정의하려는 문화적 창작물입니다.
영화가 제시하는 전제는 deceptively simple(기만적일 정도로 단순)합니다. 외로운 어부가 비(非)생물학적 부성애를 통해 존재의 공허함을 채우려 하며, 그 과정에서 가족에 대한 전통적 정의에 도전하는 관계의 망을 엮어 나갑니다. 하지만 이 민담 같은 표면 아래에는 외과 의사의 정밀함과 시인의 감수성으로 해부되어야 할 감정적, 기술적 복잡성이 꿈틀대고 있습니다.
다니엘 레젠드 감독이 연출하고 로드리고 산토로가 신들린 연기를 펼친 이 넷플릭스 작품은, 현대 포르투갈 문학에서 가장 사랑받는 소설 중 하나를 각색한 것일 뿐만 아니라, 고독, 포용, 그리고 타인을 통해 자신을 재창조하는 인간의 능력에 대한 시각적 논문으로 제시됩니다.
문학적 기원: 영혼을 번역하는 도전
발테르 우구 마이의 시적 산문
창작팀이 직면한 도전의 거대함을 이해하기 위해, 우리는 먼저 원천인 발테르 우구 마이의 동명 소설에 빠져들어야 합니다. 마이는 관습적인 작가가 아닙니다. 그는 포르투갈어에서 학술적인 경직성을 덜어내고 거의 어린아이 같고 원초적인 유연성을 되돌려준 언어의 장인입니다. 그의 책은 단순히 읽히는 것이 아니라 ‘경험’됩니다.
소설 O Filho de Mil Homens는 서정성의 영역에서 작동하는 텍스트입니다. 마이의 서사는 종종 표준적인 구두점 규칙을 무시하고 문장의 감정적 리듬을 우선시하며, 마치 사고의 흐름처럼 이어지는 통사 구조가 특징입니다. 본질적으로 구체성과 이미지의 문자적 의미에 치우치는 경향이 있는 영화라는 매체로 이것을 각색하는 것은 불가능에 가까운 작업입니다. 어떻게 은유를 촬영할 수 있을까요? 작가가 문법을 비틀어 구축한 감정의 묘사를 어떻게 빛과 그림자로 번역할 수 있을까요?
만인의 아이라는 제목 자체에 깊은 사회학적, 인류학적 명제가 담겨 있습니다. 이는 생물학적 문란함이 아니라, 양육과 정체성에 대한 부족적이고 집단적인 개념을 의미합니다. 아이가 온전한 인간이 되기 위해서는 단 한 명의 아버지가 아니라, 은유적으로 “천 명의 아버지”로 불리는 공동체 전체의 경험, 선의, 가르침의 총합에 의해 빚어지고, 보살핌받고, 사랑받아야 한다는 생각. 이는 미셸 마페졸리처럼 우리가 선택한 ‘정서적 부족’과의 마찰과 교감 속에서 정체성이 형성된다고 보는 포스트모던 시대의 애착 이론과도 공명합니다.
창작자의 축복과 브라질 “억양”
영화 각색이 원작자와 영화 제작자 사이에 마찰을 일으키는 것은 흔한 일입니다. 작가는 종종 자신의 작품이 난도질당하고, 단순화되거나 배신당했다고 느낍니다. 하지만 이 영화의 경우는 행복한 예외입니다.
발테르 우구 마이는 프로젝트를 승인했을 뿐만 아니라, 가장 열렬한 예언자가 되었습니다. 최종 편집본에 대한 그의 반응은 본능적이었습니다. “이건 내가 상상했던 것보다 훨씬 그 이상입니다.” 그는 장난스러운 겸손함으로 이 영화가 역사상 드물게 각색이 원작을 뛰어넘는 사례가 될까 봐 두렵다고까지 말했습니다.
이러한 공생 관계는 특히 지리적 배경의 변화를 고려할 때 매우 중요합니다. 마이는 자신의 이야기가 브라질 “소타키(sotaque, 억양)”로 전달되는 것에 기뻐하며, 브라질의 따뜻함과 음악성이 그의 서사에 새로운 차원을 부여했음을 인정했습니다.
마이는 이 영화를 “영화로 만든 책”이라고 묘사하며, 다니엘 레젠드가 줄거리를 하나하나 복사하려 한 것이 아니라 텍스트의 ‘영혼’을 옮기려 했다고 말했습니다. 여기서의 충실함은 문자 그대로가 아니라 분위기에 있습니다. 작가는 이 작품을 “10년의 영화”라고까지 칭했는데, 단어 사용에 신중한 그에게서 나온 이 과장된 표현은 깊고 진정한 감정적 울림을 시사합니다.
작가주의 비전: 다니엘 레젠드와 공감의 서사
광란의 편집에서 명상으로
다니엘 레젠드는 브라질 영화의 최근 역사에서 강력하게 반향을 일으키는 이름이지만, 그의 경력은 문체적 진화에 대한 매혹적인 연구 대상입니다. 전 세계적으로 시티 오브 갓(City of God)의 편집자로서(이 작업으로 그는 오스카 후보와 BAFTA를 수상했으며, 2000년대 라틴 아메리카 액션 영화의 미학을 규정하는 싱커페이션과 광란의 리듬을 만들어냈습니다) 알려진 그는, 감독으로서 놀라운 다재다능함을 보여주었습니다.
빙고: 아침의 왕(Bingo: O Rei das Manhãs)이나 모니카와 친구들(Turma da Mônica) 각색과 같은 이전 감독작에서 레젠드는 이미 소외된 인물들과 브라질 대중문화에 대한 관심을 보여주었습니다. 하지만 만인의 아이는 근본적인 내면 성찰로의 전환점, 즉 터닝포인트입니다. 여기서 그의 초기작이 보여준 현기증 나는 편집 리듬은 의도적인 “정중동(靜中動)”에 자리를 내어줍니다.
두다 카소니와 함께 각본가 역할도 맡은 레젠드는 ‘숨을 쉬는’ 서사를 구축했습니다. 이 이야기를 연출하기로 한 결정은 “가족의 확장”이라는 개념을 탐구하려는 필요에서 비롯된 것 같습니다. 양극화된 세상에서 감독은 ‘수렴’에 대한 이야기에 베팅합니다. 그의 비전은 멀리 떨어진 관찰자의 비전이 아니라, 발테르 우구 마이가 자신의 인물들을 대하는 그 다정하고 근본적인 시선을 카메라를 통해 재현하려는 사람의 비전입니다. 레젠드는 마이를 각색하는 데 필요한 것이 특수 효과가 아니라, 더 오래되고 복잡한 ‘기술’, 즉 ‘시각적 공감’임을 이해하고 있습니다.
일상의 마법적 리얼리즘
레젠드가 영화에 불어넣은 톤은 땅에 발을 딛고 있는 미묘한 마법적 리얼리즘이라고 할 수 있습니다. 이것은 하늘을 나는 양탄자의 마법적 리얼리즘이 아니라, 감정의 강도가 현실 인식을 변화시키는 그런 종류의 것입니다. 미술 감독과 촬영 감독은 우리가 기억이나 욕망의 필터를 통해 보는 것처럼, 알아볼 수 있으면서도 살짝 고양된 세계를 창조하기 위해 협력합니다.
감독은 주인공의 집을 캐릭터의 심리에 기반하여 시각적으로 창조했다고 밝혔습니다. “제한적인 신념”이나 사회적 갑옷이 없는 사람이기에 그의 집도 그럴 수 없었습니다. 여기서 문이나 창문이 없는 집을 짓기로 한 결정이 나왔고, 이는 자연이 영화에 그 힘을 “각인”하도록 허용했습니다. 실제 장소에서 촬영하고 바람, 변화하는 빛, 바다 소리 같은 자연 요소가 장면 연출의 일부를 지시하도록 함으로써, 레젠드는 유기적인 진실을 얻기 위해 스튜디오의 절대적인 통제를 포기했습니다.
영혼의 어부: 크리소스토모 역의 로드리고 산토로
영웅의 해체
로드리고 산토로는 의심할 여지 없이 브라질의 가장 국제적인 얼굴 중 하나입니다. 그의 경력은 예술 영화와 할리우드 블록버스터(300, 웨스트월드, 로스트) 사이를 오갔습니다. 업계는 종종 그의 위풍당당한 체격이나 극적인 강렬함을 권력이나 갈등의 역할에 사용했습니다.
만인의 아이에서 산토로는 정반대의 여정, 즉 절대적인 취약성과 절제를 향한 여정을 택합니다. 크리소스토모는 고전적인 의미의 영웅이 아닙니다. 제국을 정복하거나 군대와 싸우지 않습니다. 그의 전투는 내면적이고 조용합니다. 그는 가슴에 구멍이 뚫린 채 마흔을 맞이한 어부입니다.
산토로는 자신의 캐릭터를 “장벽이 없는” 사람, 즉 현대 사회의 “제한적인 신념”에 의해 조건화되지 않아 아무런 필터 없이 사랑할 수 있는 사람으로 묘사합니다. 이 설명은 그의 연기를 이해하는 열쇠입니다. 크리소스토모는 거의 아담과 같은 순수함 속에서 살아갑니다. 고독은 그를 쓰라리게 만든 것이 아니라, 아무런 유보 없이 사랑할 수 있도록 준비시켰습니다.
이 역할을 준비하기 위해 산토로는 다른 역할에서 종종 요구되는 “판매”와 유혹의 기술을 잊어야 했습니다(그는 이 과정을 프로젝트 파워(Project Power) 준비 과정과 비교하며, 크리소스토모의 잔혹할 정도의 정직함과는 엄청난 차이가 있음을 언급했습니다). 여기서 배우는 ‘덜어내기’를 통해 연기합니다. 그의 몸짓은 최소화되고, 목소리는 바람과 경쟁하는 속삭임입니다. 선언보다는 존재감에 의존하는 연기입니다.
새로운 남성성
크리소스토모를 통해 영화와 배우는 “남성성의 새로운 이상”을 제안합니다. 남성성이 종종 강인함, 물질적 부양, 감정적 폐쇄성과 연관되는 문화적 맥락에서, 크리소스토모는 혁명적인 대안, 즉 ‘돌보는 남성’을 대표합니다.
아버지가 되고 싶은 그의 열망은 성씨나 혈통을 이어가야 할 필요성이 아니라, ‘주고자’ 하는 필요에서 비롯됩니다. 그가 카밀루와 맺는 관계는 수직적 권위가 아니라 수평적 동반입니다. 산토로는 명령이 아닌 ‘피난처’가 되는 부성애를 구현합니다.
이러한 표현은 현대 브라질, 나아가 전 세계에서 강력한 정치적 힘을 갖습니다. 힘이 다정함에 있는 한 남자(어부, 육체 노동자)를 보는 것은 전통적인 성별 원형에 대한 도전입니다. 산토로는 예술적 성숙의 정점에서 이 가능성에 형태를 부여하기 위해 그의 몸과 영혼을 빌려줍니다.
고독한 이들의 별자리: 출연진과 캐릭터
카밀루: 아라사투바의 발견
영화의 중심 역학은 젊은 미겔 마르티네스가 연기하는 카밀루의 등장으로 활성화됩니다. 카밀루는 고아, 즉 잃어버린 조각입니다. 서사 속에서 그는 단순히 자선의 대상이 아니라 ‘변화의 주체’입니다. 아들이 되기를 받아들임으로써, 카밀루는 크리소스토모를 아버지로 인정합니다.
아라사투바 출신의 12세 소년 마르티네스에게 이것은 8살 때부터 꿈꿔온 첫 장편 영화입니다. 그의 캐스팅은 대성공입니다. 그는 업계의 상투적인 연기에 물들지 않은 진정성을 가져옵니다. 레젠드의 지도 아래, 그는 값싼 감상주의를 피하는 연기를 선보입니다. 그의 시선에는 무게감이, 즉 과거의 고통에 대한 인식이 담겨 있어, 그가 크리소스토모의 삶에 통합되는 과정을 믿을 수 있고 감동적인 치유의 과정으로 만듭니다. 그들은 함께 이 이야기의 다른 자유 전자들이 궤도를 돌게 될 원자핵을 형성합니다.
이자우라: 말하는 침묵
헤베카 자미르는 줄거리의 감정적 기하학에 필수적인 인물, 이자우라에게 생명을 불어넣습니다. 이자우라는 자신의 고통으로부터 도망치는 여성입니다. 크리소스토모가 ‘기다림’이라면, 이자우라는 ‘도피’입니다. 그녀가 어부와 소년의 삶에 등장함으로써, 오로지 남성적일 수 있었던 세계에 여성적 복잡성이 도입됩니다.
여배우는 자신의 준비 과정이 “침묵과 함께 작업하는 것”에 기반을 두었다고 말했습니다. 말하는 것보다 침묵하는 것으로 더 많은 것을 전달하는 캐릭터를 구축한 것입니다. 영화는 이자우라를 “급진적인 다정함”으로 대하는데, 이는 산토로가 마이의 글쓰기에서 비롯된 특징이라고 말한 것입니다. 이자우라는 상처나 과거 때문에 판단받지 않고 환영받습니다. 자미르는 두려움에서 신뢰로 나아가는 캐릭터를 구축하며, 비생물학적 가족이 트라우마가 치유되는 공간이 될 수 있음을 보여줍니다.
안토니누: 완전한 헌신
조니 마사루는 영화의 윤리적 제안에서 가장 대담하고 상징적인 인물일 안토니누를 연기합니다. 안토니누는 “오해받는” 젊은이로 묘사되는데, 이는 마이의 작품과 마사루의 해석에서 다양성, 퀴어적 감수성, 그리고 해안 마을의 경직된 규범에 도전하는 모든 것을 가리키는 서사적 완곡어법입니다.
마사루는 이 프로젝트에 깊이 공감하여 스스로 참여를 적극적으로 요청했습니다. “이 영화에서는 필요하다면 커피라도 나르겠다고 했어요. 그냥 그곳에 있고 싶었을 뿐입니다.” 배우는 마이의 작품에 대한 깊은 존경심을 드러내며 고백했습니다. 안토니누는 자신의 정체성을 희생하지 않으면서 수용되기를 추구합니다. 그의 과정은 억압으로부터 자신을 해방하는 법을 배우는 것입니다. 그가 크리소스토모의 가족에 통합되는 것은 영화 철학의 궁극적인 시험입니다. 즉, 포용은 관용이 아니라 축하입니다. 마사루는 이 부적응자 가족의 그림을 완성하는 빛나는 취약성을 선사합니다.
그리스 합창단: 전설의 목소리
어떤 위대한 이야기도 주연만으로 지탱되지는 않습니다. 만인의 아이는 이 우화를 가시적인 현실에 고정시키는 호화로운 조연진을 자랑합니다. 브라질에서 가장 존경받는 극작가이자 배우 중 한 명인 그레이스 파소와 같은 인물들이 무게감을 더합니다.
또한, 이 영화에는 전설적인 제제 모타가 특별 출연하여, 그녀의 독보적인 목소리로 내레이션을 맡아 이야기의 격을 태고의 이야기 수준으로 끌어올립니다. 안토니오 하다드, 카를루스 프란시스쿠, 이네스 비아나, 줄리아나 카우다스, 리비아 시우바, 마르셀루 이스코렐, 투나 드웩과 같은 재능 있는 배우들이 출연하여 주인공들 주위에 촘촘하고 생생한 사회적 직물을 만들어냅니다.
건축과 미학: 문 없는 집과 바다
프로덕션 디자인: 거주 가능한 은유
영화의 창작 과정에서 가장 매혹적인 부분 중 하나는 크리소스토모의 집에 대한 공간적 개념입니다. 다니엘 레젠드는 개념적 천재성을 발휘하여, 주인공의 감정적 장벽이 없음을 반영하기 위해 문이나 창문이 없는 집을 상상하고 건설했습니다.
미술 감독 타이사 말루프가 실행한 이 디자인 결정은 미적 변덕이 아닙니다. 그것은 나무와 돌로 만들어진 영화의 철학적 심장입니다. 문 없는 집은 크리소스토모가 세상을 향해 완전히 열려 있음을 상징합니다. 두려워할 것도, 탐욕스럽게 소유할 것도 없기에 그에게는 장벽이 필요 없습니다. 자연과 사람들은 자유롭게 드나들 수 있습니다.
이 건축 구조는 특정한 연출과 촬영을 요구합니다. 명확하게 구분된 “안”과 “밖”이 없습니다. 집안의 사적인 공간에서조차 수평선은 항상 존재합니다. 제작 비화는 우연한 마법적 리얼리즘과 멜랑콜리한 시적 감성을 더합니다. 이 집은 촬영을 위해 실제로 해변에 지어졌으며, 촬영이 끝난 다음 날 파도에 의해 파괴되어 레젠드는 바다 앞에서 눈물을 흘렸습니다. 그것의 존재는 마치 바다에 씻겨 나간 모래 만다라처럼, 오직 이 이야기를 전하기 위한 목적으로 잠시 존재했을 뿐입니다.
촬영: 소금기 섞인 빛으로 그리기
촬영 감독은 고품질 시각 효과 제작에 자주 참여하는 아줄 세하가 맡았습니다. 세하와 레젠드는 인공적인 아름다움을 피하고 실제 질감에서 아름다움을 찾는 미학을 선택했습니다.
영화는 지리적으로는 다르지만 영적으로는 상호 보완적인 두 장소, 즉 리우데자네이루 해안의 부지오스(특히 조제 곤살베스 같은 해변)와 바이아 중심부의 샤파다 디아만티나에서 촬영되었습니다. 부지오스는 바다의 수평적 광활함, 거칠고 소금기 있는 빛, 무한한 개방감을 제공합니다. 샤파다 디아만티나는 수직성, 바위, 동굴, 내륙의 신비를 제공합니다. 이러한 시각적 이중성은 캐릭터들의 내면 여정을 반영합니다. 그들은 현실(땅)에 발을 딛고 있지만 가능성(바다)을 꿈꿉니다.
세하의 촬영은 영화의 분위기에 중심이 되는 “정중동”을 포착한 “장엄하고” “흠 잡을 데 없는” 것으로 묘사되었습니다. 이것은 불안한 카메라가 아닙니다. 어부의 인내심을 모방하며 명상하고 기다리는 카메라입니다.
사운드스케이프: 작곡가로서의 바람
시각적 접근 방식과 일관되게, 영화의 사운드 디자인은 중요한 서사적 역할을 합니다. 레젠드는 자연 요소가 단순한 배경이 아니라 ‘목소리’임을 강조했습니다. 열린 집을 때리는 바람 소리, 밤에 크리소스토모가 외치는 고독이나 기쁨의 외침에 동반되는 바다의 포효. 이 모든 것이 독창적인 음악에 선행하고 보완하는 유기적인 악보를 구성합니다.
파비우 고에스가 작곡한 사운드트랙은 감정을 지시하는 것이 아니라 강조하기 위해 개입합니다. 진정한 주인공은 침묵과 세상의 소리입니다. 불필요한 기교를 ‘정리’하기로 한 이 결정은 관객이 감각적 명상 상태에 들어가 영화의 줄거리만큼이나 온도와 질감을 느낄 수 있게 합니다.
제작 생태계: 명성을 위한 넷플릭스의 선택
비오니카 필름스 & 배리 컴퍼니: 마법 뒤의 근육
카메라 뒤에서 만인의 아이는 브라질 제작의 두 거물, 비오니카 필름스(Biônica Filmes)와 배리 컴퍼니(Barry Company)의 협력의 결과물입니다. 비앙카 빌라르, 페르난두 프라이하, 카렌 카스타뉴와 같은 프로듀서들이 이끄는 비오니카 필름스는 (모니카와 친구들 프랜차이즈 포함) 상업적, 비평적 성공의 역사를 가지고 있습니다.
배리 컴퍼니는 (에미상 후보에 오른) 임푸로스(Impuros) 시리즈와 디즈니/스타+의 러브 오브 마이 라이프(Love of My Life)와 같이 복잡하고 수준 높은 내러티브를 다루는 능력을 입증했습니다. 이 두 제작사가 넷플릭스라는 우산 아래 뭉친 것은 분명한 전략을 시사합니다. 즉, 부인할 수 없이 현지적이면서도 전 세계적으로 수출 가능한 콘텐츠를 찾는 것입니다. 이는 브라질에서 ‘할리우드 스타일’ 영화를 만드는 것이 아니라, 할리우드의 제작 가치를 지닌 심오한 브라질 영화를 만드는 것입니다. 숙련된 총괄 프로듀서들의 존재는 레젠드의 예술적 비전과 외딴 지역에서의 촬영이라는 물류적 복잡성이 이 정도 규모의 제작에 필요한 엄격함으로 관리되었음을 보장합니다.
출시 전략: 극장에서 스트리밍으로
넷플릭스는 이 영화의 영화적 잠재력과 스트리밍 잠재력을 모두 인식하고 하이브리드 출시 전략을 설계했습니다. 글로벌 플랫폼에 공개되기 전, 이 영화는 일부 선정된 극장에서 제한적으로 개봉되었습니다. 또한, 제49회 상파울루 국제 영화제(Mostra)와 같은 권위 있는 영화제에 초청된 것은 이 영화의 “예술 영화”로서의 지위를 강조합니다.
이러한 이중생활(큰 스크린과 작은 스크린)은 (촬영과 사운드 덕분에) 영화관의 몰입형 경험을 통해 큰 이점을 얻는 동시에, 친밀하고 인간적인 주제로 가정에서 대중적으로 반향을 일으킬 잠재력을 가진 영화에 매우 중요합니다. 상파울루 모스트라에서의 시사회는 비평가와 관객의 반응을 측정하는 플랫폼 역할을 했으며, 이 영화를 단순한 ‘콘텐츠’가 아닌 ‘문화적 사건’으로 자리매김하는 입소문을 생성했습니다.
또한, 프로모션 캠페인은 영화를 저명한 문학 행사와 연결하는 영리함을 보여주었습니다. 2025년 파라티 국제 문학 축제(FLIP)의 “Esquina piauí + Netflix” 하우스에 제작진(마이, 레젠드, 산토로, 마사루, 자미르)이 참석한 것은 책의 열렬한 독자들과 새로운 영화 관객 사이에 직접적인 다리를 놓았습니다. 이 행사에서는 각색 과정에 대해 논의하며 브라질 문화계 지식인들 앞에서 영화의 가치를 입증했습니다.
심오한 주제: 인간 조건에 관한 고찰
비옥한 공간으로서의 고독
만인의 아이는 고독을 치유해야 할 병리로 그리는 대신, ‘가능성’의 상태로 제시합니다. 크리소스토모, 이자우라, 안토니누는 모두 외롭지만, 그들의 고독은 광활합니다. 바로 그 빈자리가 다른 사람들이 들어올 수 있게 합니다. 영화는 자신의 고독을 아는 사람만이 다른 사람과 진정으로 동행할 수 있음을 시사합니다. 그들은 절망 때문에 연합하는 것이 아니라, 상호 인정 때문에 연합합니다. 그것은 공유된 고독이며, 교감으로 변모합니다.
정치적, 정서적 구성물로서의 가족
가족이라는 개념이 종종 이데올로기적 전쟁터가 되는 시대에, 이 영화는 평화롭지만 급진적인 비전을 제공합니다. 여기서 가족은 생물학적 사실이 아니라 매일의 ‘구성’입니다. “우리 모두는 천 명의 아버지의 아들이다”라는 문구는 자녀와 애정에 대한 소유 개념을 해체합니다. 그것은 집단적 책임을 제안합니다.
이 비전은 새로운 가족 구성에 대한 현대적 논쟁과 공명합니다. 미혼부, 입양된 아들, 과거가 있는 여성, 퀴어 청년으로 구성된 가족을 보여줌으로써, 영화는 다양성을 선전 구호로 만들지 않고 정상화합니다. 그것은 단지 사랑이 그것을 담는 구조와 상관없이 작동한다는 것을 보여줍니다. 이것이 바로 ‘애정의 정치’입니다. 혁명은 형제가 되는 이방인들과 빵을 나누는 부엌 식탁에서 시작됩니다.
인류에 대한 희망
아마도 이 영화의 가장 전복적인 메시지는 그 인류학적 낙관주의일 것입니다. 종종 잔인함과 냉소주의에 매료되는 영화계에서, 이 작품은 감히 다정함을 선택합니다. 발테르 우구 마이와 다니엘 레젠드는 인간에 대한 믿음을 공유합니다. 그들은 우리가 모든 것에도 불구하고 선(善)을 행할 수 있다고 믿습니다. 이 영화는 절망에 대한 해독제이며, (FLIP에서 우연히 함께 출시된 마이의 다른 책 제목인) “슬픔의 교육”이 지혜와 사랑으로 이어질 수 있음을 상기시킵니다.
평행적 맥락: 발테르 우구 마이의 확장되는 세계관
영화의 개봉을 작가가 겪고 있는 문화적 순간과 분리하는 것은 불가능합니다. 영화 개봉과 동시에 발테르 우구 마이의 삶과 창작 과정을 탐구하는 미겔 곤살베스 멘데스 감독의 다큐멘터리 De Lugar Nenhum도 함께 공개되었습니다.
7년 동안 여러 나라에서 촬영된 이 다큐멘터리는 만인의 아이의 허구에 완벽한 대위법을 제공합니다. 영화가 우리에게 마이의 ‘창조물’을 보여준다면, 다큐멘터리는 우리에게 ‘창조자’를 보여줍니다. 두 문화적 산물은 서로 대화하며, 포르투갈어권 세계에서 가장 중요한 지식인 중 한 명으로서의 작가의 위치를 강화합니다. 호기심 많은 관객에게 두 작품을 모두 감상하는 것은 작가의 집착, 즉 기억, 정체성, 그리고 불완전한 세계에서 아름다움을 향한 끊임없는 탐구에 대한 입체적인 시각을 제공합니다.
안갯속의 등대
만인의 아이는 우리에게 예상치 못한 선물처럼 다가옵니다. 주목받기 위해 소리치는 영화가 아닙니다. 귀 기울여 듣기 위해 몸을 굽히게 만드는, 속삭이는 영화입니다.
이것은 예술적 협업의 승리입니다. 마이의 불가능한 산문, 레젠드의 공감하는 비전, 산토로의 용감한 취약성, 그리고 헌신적인 배우들의 조화로운 재능. 이 작품은 우리 내면의 집의 문을 허물고, 수평선을 바라보며, 우리 가족이 우리가 생각했던 것보다 훨씬 더 클 수 있다는 가능성을 고려하라고 초대합니다. 그것은 우리 또한 생명을 키우고, 돌보고, 지탱하는 데 필요한 “천 명의 아버지”(그리고 어머니) 중 하나가 되라고 도전합니다.
디스토피아와 종말론적 결말로 가득 찬 시청각 환경 속에서, 이 영화는 가능하고 일상적인 유토피아로 우뚝 섭니다. 천국은 죽어서 가는 곳이 아니라, 파도가 우리 해안으로 밀려온 난파선 생존자들을 받아들이며 ‘살아가는 동안’ 건설하는 곳임을 상기시킵니다.
이 감수성과 고요함의 여정에 기꺼이 동참할 의향이 있는 사람들에게, 이 만남은 피할 수 없습니다. 페스티벌과 일부 극장을 거친 후, 이 영화는 11월 19일 전 세계에 공개되어 우리의 스크린을 바다로 열린 창문으로 변화시킬 것입니다. 그날, 넷플릭스는 단순히 스트리밍 플랫폼이기를 멈추고, 적어도 두 시간 동안은 크리소스토모의 문 없는 집이 될 것입니다.
그리고 우리 모두는 그곳에 초대되었습니다.
