때때로 포화 상태에 이른 영화 뮤지컬 세계에서, 그레고리 머과이어와 스티븐 슈워츠의 작품을 각색한 이 영화만큼 큰 책임을 짊어진 작품은 드물다. 미국에서 가장 유명한 악당을 문학적으로 비틀어낸 이야기로 시작된 이 작품은 수십 년간의 성공을 거치며 단순한 엔터테인먼트 그 이상이 되었다. 이는 도덕성, 명성, 그리고 권력이 얼마나 부식성이 강한지에 대한 대화이다.
만약 1편이 우리에게 중력을 거부하라고 초대했다면, 이 결말은 좀 더 지상적이고 본능적인 것, 즉 영원히 변한다는 것이 무엇을 의미하는지에 대한 최종적인 탐구를 약속한다. 위키드: 포 굿이라는 제목의 이 영화는 단순히 미결된 부분들을 마무리 짓는 속편이 아니다. 이는 합당한 규모로 영화화되기까지 수년이 걸린 서사적 약속의 완결이다. 이 작품에 몰입하다 보면, 우리는 여성 간의 우정, 예술적 무결성, 그리고 옛 할리우드의 법적 호기심이 교차하며 노란 벽돌 길을 다시 한번 재정의하는 매혹적인 생태계를 발견하게 된다.
이별의 의미론: “For Good”이 되기까지
제작 기간 동안 이 프로젝트는 단순히 2부로 알려져 있었다. 하지만 존 M. 추 감독과 그의 팀은 영어 제목을 Wicked: For Good으로 변경하기로 결정했다. 이는 마케팅의 변덕이 아니었다. For Good은 뮤지컬 역사상 가장 상징적이고 눈물샘을 자극하는 듀엣 곡 중 하나인 두 주인공의 이별 노래를 직접적으로 가리킨다. 더 나아가, 이는 번역할 수 없는 말장난으로 문맥을 풍부하게 한다. 영어로 for good는 “영원히”(돌이킬 수 없는 변화)와 “선을 위해”(선한 의도)라는 두 가지 의미를 모두 담고 있다. 이 영화는 그 자체로 정체성을 지닌 존재, 즉 우리가 포스터에서 어떤 이름으로 부르든 지울 수 없는 흔적을 남기겠다고 약속하는, 그 자체로 성립되는 경험이 되고자 한다.
연금술과도 같은 케미스트리: 신시아와 아리아나
만약 시각 효과와 의상 아래에 심장이 뛰고 있다면, 그것은 신시아 에리보(엘파바)와 아리아나 그란데(글린다) 사이의 짜릿한 연결 고리일 것이다. 영화는 그들의 유대가 진짜처럼 느껴지는지에 달려있다. 다행히도, 현장에서 일어난 일은 허구를 뛰어넘었다. 그들은 촬영 내내 엔진 역할을 한 자매애를 구축했다.
취약함과 라이브 보컬
신시아 에리보는 그란데와의 작업을 관대함에 기반한 “쌍방향 길”이라고 묘사했다. 케미스트리를 만들기 위한 억지스러운 리허설은 없었다. “클릭”은 즉각적이었다. 에리보는 아리아나가 촬영 전 그저 인생에 대해 이야기하기 위해 자신의 집을 방문하곤 했으며, 이는 앞으로 다가올 일에 필요한 신뢰의 기반을 만들었다고 말했다.
그리고 그 신뢰는 필수적이었다. 스튜디오에서 녹음된 트랙에 맞춰 립싱크를 하는 거의 모든 현대 뮤지컬과 달리, 감독은 급진적인 진정성을 고집했다. 바로 현장에서 라이브로 노래하는 것이었다. 에리보는 노래하는 것이 극도로 취약한 행위이며, 후반 작업이라는 안전망 없이 허공에 뛰어드는 것과 같다고 설명했다. 이를 해내기 위해 그들은 서로를 돌보고 상대방의 창의적인 공간을 보호하자는 약속을 했다.
이는 우리가 스크린에서 보는 것을 변화시킨다. 캐릭터들이 숨을 헐떡이거나 감정적으로 무너질 때, 그들의 목소리는 그 실제적인 육체적 노력을 반영한다. 팝의 정확성으로 유명한 아리아나 그란데는 순간이 요구한다면 목소리가 떨리거나 갈라지는 것을 허용하며 스스로에게 불완전함을 허락했다.
이별의 감정적 무게
이 협업의 절정은 뮤지컬 넘버 “For Good”을 촬영할 때 찾아왔다. 전해지는 바에 따르면, 그날은 그저 그런 촬영일이 아니었다. 하나의 카타르시스였다. 그란데는 이야기의 강렬함 때문에 거의 매일 울었다고 고백했지만, 그 노래는 특히나 감정적으로 압도적이었다.
그 장면을 찍을 때, 그들은 더 이상 연기하고 있지 않았다. 그들은 캐릭터의 진화를 함께 겪었고 무엇을 뒤로하고 있는지 깊이 이해하고 있었다. 그것은 단순한 보컬 테크닉이 아니었다. 그것은 수개월간의 공동 성장의 결과였다. 보통은 꽤나 무덤덤한 기술 스태프들조차 결국 눈물을 보였다. 이를 기념하기 위해 두 여배우는 손에 커플 타투를 새겼다. 양귀비꽃과 “For Good”이라는 문구였다. 노래 가사처럼, 서로로 인해 더 나은 방향으로 변했다는 영원한 알림이다.
눈물 속의 웃음
하지만 모든 것이 드라마는 아니었다. 현장에는 많은 인간미와 재미있는 순간들도 있었다. 한 멋진 일화는 글린다의 유명한 버블 드레스와 관련이 있는데, 한창 촬영 중 향수병이 삐걱거리는 소리를 내는 바람에 아리아나가 웃음보를 터뜨렸고 이는 모든 사람에게 전염되었다. 또한 (피에로 왕자 역의) 조나단 베일리는 최고조의 로맨틱한 긴장감이 흐르던 장면에서 “꽃과 관련된 작은 사고”를 쳐서 테이크를 망쳤지만, 오히려 분위기를 풀어주었다. 이 바이럴이 된 우정은 인터뷰에서도 드러나는데, 아리아나가 신시아의 손을 잡는 단순한 제스처가 감정적 지지를 보내는 ‘밈’이 될 정도였다.
더 어둡고 현실적인 오즈
시각적으로 위키드: 포 굿은 고전 판타지의 과장된 광채에서 벗어나 더 어둡고 성숙한 영역으로 들어선다. 존 M. 추 감독은 분명히 밝혔다. 1편이 경이로움과 발견에 관한 것이었다면, 2편은 결과와 저항에 관한 것이다.
디스토피아의 영향
추 감독은 이러한 변화를 설명하기 위해 트루먼 쇼와 같은 작품의 영향을 언급했다. 오즈는 더 이상 낙원이 아니며, 프로파간다가 지배하는 경찰 국가임이 드러난다. 미학은 그러한 각성을 반영한다. 캐릭터들이 마법사 뒤에 숨겨진 진실을 보게 되면서 인공적인 빛은 사라진다. 세트는 아르누보의 아름다움과 억압적인 무게감 및 현실감을 혼합하여 “광기의 가장자리”에 있도록 설계되었다.
손에 잡히는 마법
그린 스크린의 시대에, 이 영화는 실재하는 것에 베팅했다. 수천 송이의 실제 튤립이 심어졌고 거대한 실제 세트가 지어졌다. 아이디어는 마법을 물리학에 고정하는 것이다. 엘파바가 날아오르면, 주변 환경이 실제로 반응한다. 신시아 에리보는 순수한 물리적인 힘을 요구하는 도르래 시스템을 이용한 탈출 장면을 포함하여 많은 스턴트를 직접 수행했다. 이곳의 마법은 눈에 보이는 대가와 노력을 필요로 한다.
도로시와 은색 구두의 수수께끼
여기서 영화 팬들을 위한 매혹적인 세부 사항이 등장한다. 영화는 오즈의 마법사(1939) 및 원작 소설과의 연결고리를 저작권을 존중하며 매우 지능적으로 다룬다.
문학적 원점으로의 회귀
만약 당신이 유명한 루비 구두를 기대한다면 놀랄 것이다. 구두는 은색이다. 이것은 실수가 아니라 역사적 고증이자 법적 필요성이다. 1900년 원작 소설에서 구두는 은색이었다. 테크니컬러를 과시하기 위해 이를 빨간색으로 바꾼 것은 1939년 MGM 영화였다. “루비 구두”는 워너 브라더스의 자산이며(이 영화는 유니버설 영화이다), 그들은 이를 사용할 수 없었다.
하지만 제작팀은 이 제한을 장점으로 승화시켰다. 은색 구두를 사용함으로써 그들은 책과 브로드웨이 뮤지컬의 원작에 충실할 수 있었다. 게다가 위키드: 포 굿의 줄거리에서 이 구두는 엘파바와 네사로즈의 어머니로부터 물려받은 가보로, 단순한 마법 물건을 넘어선 감정적인 무게를 지닌다.
얼굴 없는 소녀
또 다른 대담한 결정은 도로시를 다루는 방식이다. 비록 그녀가 이야기의 결말을 촉발하지만, 영화는 그녀를 주변적인, 거의 “얼굴 없는” 인물로 유지한다. 우리는 그녀의 클로즈업이나 내면의 여정을 보지 못할 것이다. 카메라는 엘파바와 글린다에게 충실하다. 도로시를 뒷모습이나 멀리서 보여줌으로써, 영화는 우리가 그녀에 대해 가진 상징적인 이미지를 보호하는 동시에, 이 이야기는 그녀의 것이 아님을 강조한다. 이것은 우아한 결정이다. 이번에는 마이크를 쥔 사람이 그녀를 죽인 소녀가 아니라, 바로 마녀이다.
오래된 세계를 위한 새로운 사운드
원작 작곡가인 스티븐 슈워츠가 영화로의 도약이 새로운 음악적 재료로 그 존재 가치를 정당화할 수 있도록 음향 세계를 확장하기 위해 돌아왔다.
“The Girl in the Bubble”과 “No Place Like Home”
무대 버전에는 없는 두 개의 신곡이 추가되었다. 아리아나 그란데가 부른 “The Girl in the Bubble”(버블 속의 소녀)은 명성의 고독을 탐구한다. 오즈가 그녀를 숭배하는 동안, 이 노래는 완벽함이라는 거품 속에 갇혀 진정으로 연결될 수 없는 고립감을 보여준다.
신시아 에리보가 부른 “No Place Like Home”(집만한 곳은 없어)은 도로시의 유명한 대사를 기발하게 비튼 제목이다. 엘파바의 입을 통해 이 노래는 망명의 고통과 자기 땅에서 소속감을 찾지 못하는 아픔을 말한다. 이 곡들은 빈틈을 채우기 위한 것이 아니다. 영화는 때때로 연극이 허용하지 않는 방식으로 침묵과 내면에 더 가까이 다가갈 수 있게 해주며, 이 노래들은 그러한 감정적 공간을 채운다.
호화로운 조연진
주인공들 외에도 조연들은 결정적인 깊이를 더한다. 미셸 여(마담 모리블)는 날씨를 정치적 무기로 사용하며 더욱 사악해진다. 제프 골드블룸(마법사)은 권력을 잃을까 두려워하는 평범한 남자를 보여주며 카리스마와 연민의 혼합을 선사한다. 조나단 베일리(피에로)는 허수아비 신화와 고통스럽게 연결되는 비극적인 변화로 감정의 삼각관계를 완성한다. 그리고 이선 슬레이터(보크)는 양철 나무꾼으로서의 그의 미래에 대한 씨앗을 뿌리는 서사를 가지며, 쉽게 눈물을 흘리는 성격 같은 미묘한 디테일은 그의 녹슨 운명을 예고한다.
줄거리: 명성에서 추방으로
위키드: 포 굿은 이전 편이 끝난 지점에서 바로 다시 시작하지만, 모든 것이 변했다. 엘파바는 “사악한 마녀”로 악마화되어 그림자 속에서 싸우며 추방 생활을 한다. 반면 글린다는 에메랄드 시티 정권의 화려한 상징으로, 피에로와의 결혼을 준비하지만, 사실은 모리블이 대중을 현혹하기 위해 설계한 금테 두른 새장에 갇혀있다.
갈등은 글린다가 그녀의 친구와 마법사 사이에서 불가능한 평화를 협상하려 할 때 폭발한다. 이는 행동주의의 개인적 대가와 공모의 도덕적 대가를 탐구하는 서사이다.
오즈 세계의 찬사받는 상상력 넘치는 재탄생
위키드: 포 굿을 그토록 흥미롭게 만드는 것은 단지 그것이 어떻게 끝나는가(우리 모두가 대중문화를 통해 알고 있는 결말)가 아니라, 그것이 시작을 어떻게 재의미화하는가이다. 엔딩 크레딧이 올라갈 때, 우리가 다시는 오즈의 마법사를 예전과 같은 방식으로 볼 수 없을 것이라는 약속이 주어진다. 사악한 마녀는 더 이상 평면적인 괴물이 아니라 비극적인 활동가이다. 착한 마녀는 흠 없는 구원자가 아니라 평화를 유지하기 위해 자신의 진실을 희생한 정치적 생존자이다.
제작진은 원작의 정신을 배반하지 않기 위해 세심한 노력을 기울이면서도, 그것을 확장할 만큼 용감했다. 이야기의 발전을 희생하지 않기 위해 이야기를 둘로 나누는 것부터, 날것의 감정을 포착하기 위해 라이브 노래를 요구하는 것까지. 이것은 브로드웨이에 경의를 표하면서도 그 이상을 나아가기 위해 영화라는 매체를 사용하는 프로젝트이다.
파업과 수년간의 개발 과정을 극복한 긴 여정이었다. 하지만 기다림은 끝난다. 위키드: 포 굿은 11월 21일 미국 극장에서 개봉하며, 전 세계적으로 순차 개봉될 예정이다. 이제 날아오를 시간이다. 빗자루가 아니라, 때로는 선을 행하기 위해서는 기꺼이 악하다고 불릴 준비가 되어 있어야 함을 상기시켜주는 이야기와 함께.
