마르크 샤갈, 폐허 위에 색체로 낙원을 그린 화가

마르크 샤갈

Photo: Hugo Erfurth / Public domain, via Wikimedia Commons

출생	1887년 7월 7일 Lyozna, near Vitebsk, Russian Empire (now Belarus)
사망	1985년 3월 28일 (97)
직업	화가
수상	Wolf Prize in Arts 1981 · Erasmus Prize 1960 · Grand Cross, Légion d’Honneur 1978 · Venice Biennale Prize · Carnegie Prize (3rd prize) 1939

현대미술에서 샤갈만큼 떠다니는 화가는 없었다. 야망에서가 아니라 문자 그대로: 그의 그림 속 인물들은 땅에서 떠올라 공중에 머물고, 허공에서 포옹하며, 불타는 마을과 조용한 시골 거리 위를 중력에 무심한 듯 떠다닌다. 그 부유는 환상도 초현실주의도 아니었다. 샤갈에게 그것은 사랑이 어떤 느낌인지, 기억이 어떤 느낌인지, 외부 세계가 이미 파괴하기로 결정한 세계를 마음속에 짊어지고 산다는 것이 무엇을 의미하는지에 대한 가장 정확한 묘사였다.

모이셰 샤갈(Moishe Shagal)은 오늘날 벨라루스의 비테프스크 근처 리오즈나 마을에서 팔레 정착 구역의 대가족 유대인 집안에서 태어났다. 그의 아버지는 청어 상인의 직원이었고 어머니는 집에서 식료품점을 운영했다. 가족이 정착한 비테프스크 자체는 유대인 공동체 생활이 활기를 띠는 중간 규모의 지방 도시였으며, 이는 샤갈의 시각적 어휘를 영구히 형성하게 된다: 슈테틀 시장, 결혼식, 지붕 위의 녹색 얼굴 바이올린 연주자—모든 것이 빼앗길 때 음악만이 남는 것이기 때문에 연주하는 그 모습. 그는 지역 화가 예후다 펜에게 배운 후 상트페테르부르크로 가서 레온 박스트 아래에서 공부했다. 박스트는 자신의 학생이 다른 사람들이 보기로 동의한 외부 현실과 일치하는 것을 그리는 데 전혀 관심이 없다는 점을 알아챘지만, 그것을 어찌할 줄은 몰랐다.

그는 1911년 5월 후원자 막스 비나버의 장학금으로 파리에 도착하여 라 뤼슈(La Ruche)(‘벌집’)—몽파르나스의 값싼 예술가 주거지로 페르낭 레제와 아메데오 모딜리아니도 거주했던 곳—에 정착했고, 기욤 아폴리네르가 ‘surnaturel!’ (초자연적)이라고 부르게 될 작품을 생산하기 시작했는데, 이 조어는 초현실주의보다 10년 앞선 것이었다. 그는 입체파도 야수파도 아니었지만, 요령은 한 학교에 합류하는 것이 아니라 학교들이 알아낸 것을 사용하고 다른 곳으로 가는 것임을 이해한 장인의 주의력으로 둘 다 연구했다. 《나와 마을》(1911)에서—구조적으로 너무 대담해서 꿈의 잔해로 조립된 것처럼 보이는 그림—녹색 얼굴의 농부가 분할된 원을 가로질러 녹색 눈의 소와 마주보고, 여자는 거꾸로 멀리 걸어가며, 모든 것이 불가능하게도 어떤 장소의 기억처럼 느껴지는 것으로 통합된다. 기록이 아닌. 느낌.

그는 러시아에 잠시 머물러야 했다. 1914년 여름, 자신과 결혼할 여성인 벨라 로젠펠트를 만나기 위해 비테프스크로 갔고, 제1차 세계대전이 국경을 봉쇄했다. 그는 8년 동안 발이 묶였다. 1915년 7월 결혼했고, 이듬해 딸 이다가 태어났다. 혁명 이후 그는 비테프스크의 예술 인민위원으로 임명되었고 비테프스크 인민미술학교를 설립했다—카지미르 말레비치를 초청하여 가르치게 할 때까지 지속된 유토피아적 행보였다. 말레비치는 순수 기하학적 추상의 교리인 절대주의(슈프레마티즘)를 들고 와 교수진을 전향시키기 시작했다. 1920년 5월까지 샤갈이 세운 학교는 인간 형상이 예술에 미래가 없다고 믿는 사람들에 의해 운영되고 있었다. 그는 사임하고 모스크바로 떠났고, 그다음 베를린, 그다음 파리로 갔다. 이 패배는 중요했다: 샤갈의 구상적이고 감정에 뿌리를 둔 회화와 말레비치의 추상 프로그램 사이의 논쟁은 단순한 미술학교 분쟁이 아니었다. 예술이 인간적이면서 현대적일 수 있는지에 대한 논쟁이었다.

1923년 파리로 돌아와 1937년 프랑스 시민이 된 샤갈은 주요 기관 작업 시기에 접어들었다—딜러 앙브루아즈 볼라르가 의뢰한 성서 에칭, 라 퐁텐 우화 삽화, 모든 것을 안정시켜야 할 성장하는 명성. 하지만 유럽은 재앙에 다가가고 있었다. 1938년, 수정의 밤의 해, 그는 《백색 십자가형》을 그렸다: 유대인 기도용 숄을 입은 십자가 위의 그리스도, 수의는 탈리트, 불타는 회당, 도망치는 난민, 불에 소멸되는 토라 두루마리로 둘러싸여 있다. 이는 그가 만든 가장 명백히 정치적인 그림이며, 그의 다른 대부분의 작품이 더 조용히 주장하는 것을 주장한다: 유대인의 고통은 특수한 문제가 아니라 보편적인 문제이며, 모든 위대한 종교적 이미지는 자신의 박해에 대한 기억을 지니고 있다. 교황 프란치스코는 이후 그것을 자신이 가장 좋아하는 그림 중 하나로 꼽았다.

그는 1941년 긴급구조위원회를 통해 점령된 프랑스를 탈출했다. 그의 아내 벨라는 1944년 9월 2일 뉴욕에서 연쇄상구균 감염으로 사망했다. 샤갈은 9개월 동안 그림을 멈추었다—성인 시절 가장 긴 침묵. 작업으로 돌아왔을 때 그는 점차 스테인드글라스로 방향을 돌렸다: 반사하는 대신 통과하는 빛, 앞에 서기보다 그 안에서 살아가는 색채. 그의 마지막 수십 년을 지배한 스테인드글라스 의뢰는 장식적 작업으로의 퇴보가 아니었다. 그것은 그가 항상 해오던 것의 논리적 확장이었다—관람자가 안전한 거리에서 관찰하는 것이 아니라 세계 안에 거주하게 만드는 것.

1948년부터 프랑스에 돌아와 결국 생폴드방스에 정착한 그는 역사상 몇 안 되는 화가가 따라잡을 수 있는 규모의 공공 의뢰를 축적했다: 예루살렘 하다사 히브리대학 의료센터의 열두 개 창(1962), 파리 오페라 천장화(1964), 유엔 평화의 창(1964, 다그 함마르셸트 추모), 뉴욕 메트로폴리탄 오페라 두 점의 벽화(1966), 시카고 아트 인스티튜트의 아메리카 창(1977). 피카소는 많은 것을 인정하지 않았지만 말했다: “마티스가 죽으면 샤갈이 색이 진정 무엇인지 이해하는 유일한 화가가 될 것이다.”

샤갈 유산의 비판적 문제는 그를 유명하게 만든 바로 그 이유인 ‘유대인 화가’라는 꼬리표에 있다. 일부 기관과 비평가에게 그것은 찬사였다—그의 작품이 홀로코스트에서 소멸된 문화 세계를 보존했고, 비테프스크 슈테틀 생활에 대한 그의 그림은 더 이상 존재하지 않는 것에 대한 대체 불가능한 기록을 구성한다는 인식. 다른 이들에게 그 꼬리표는 축소였다: 주요 모더니스트 화가가 민족 범주로 평평해진 것. 샤갈 자신은 그 단순화를 결코 받아들이지 않았다. 그의 이미지는 유대 민속과 구약성서뿐 아니라 러시아 민속 예술, 가톨릭(《백색 십자가형》은 기독교 이미지이기도 하다), 그리고 어떤 종교적·민족적 범주보다 앞서는 순전히 개인적인 신화에서도 끌어왔다. 그는 유대인 피카소가 아니었고, 피카소가 스페인인 샤갈이 아니었던 것과 같다. 가장 정직한 입장은 그의 기원은 실제이며 그의 작업은 그것을 벗어난다는 것—이는 기원이 하는 유일한 흥미로운 일이다.

마르크 샤갈은 1985년 3월 28일 생폴드방스에서 97세의 나이로 사망했다. 니스의 마르크 샤갈 국립박물관—1973년 개관, 그가 프랑스 정부에 기증한 성서 메시지 연작을 보관하기 위해 지어짐—은 여전히 활동 중이다. 2026년, 샤갈 박물관에서의 전시 ‘Chagall at Work’는 매체를 넘나드는 그의 과정을 기록한다. 예루살렘에 있는 그의 스테인드글라스는 하다사 회당에서 아침마다 여전히 빛을 받는다. 그의 그림 세계—녹색 바이올린 연주자, 떠다니는 연인들, 비테프스크 밤의 빛나는 불가능한 파랑—은 항상 해온 주장을 계속한다: 그 세계를 제거하려 했던 세기는 성공하지 못했다.

태그: artists, 화가, Ambroise Vollard, 근대 미술, 나와 마을, 마르크 샤갈

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