클로드 모네, 눈이 멀어가면서 가장 위대한 작품을 남긴 화가

클로드 모네

사진: Didier Descouens / 퍼블릭 도메인, Wikimedia Commons 제공

출생	1840년 11월 14일 프랑스 파리
사망	1926년 12월 5일 (86세)
직업	화가

백내장은 서서히 찾아왔고, 그러다 순식간에 악화됐다. 클로드 모네(Claude Monet)가 자신의 문제를 인정했을 무렵, 그는 수정체가 더는 통과시키지 못하는 것을 보완하기 위해 10년 동안 팔레트를 조정해 왔다. 파란색은 사라졌고, 빨강과 노랑은 서로 번졌으며, 한때 그에게 정밀함을 요구하던 형태들은 거의 의도적으로 보일 만큼 흐려지기 시작했다. 그는 계속 그림을 그렸다. 시력 저하가 가속되는 이 상태에서 그가 완성한 패널들, 즉 현재 파리 오랑주리 미술관에 걸린 거대한 Nymphéas 연작은 20세기 회화 가운데 가장 많이 복제되고, 가장 많이 분석되며, 제도권에서 가장 큰 찬사를 받은 작품들이 됐다. 빛의 즉각적인 인상만을 화폭에 담아야 한다고 주장했던 사람이 정작 빛을 제대로 볼 수 없게 된 순간 자신의 결정적 작품들을 만들었다는 사실에는 특별한 아이러니가 있다.

오스카르클로드 모네는 1840년 파리에서 태어나 노르망디에서 성장했다. 변화무쌍하고 은빛으로 빛나며 물과 구름 사이에서 끊임없이 모습을 바꾸는 해안의 빛은 그가 평생 좇은 주제가 됐다. 그의 아버지는 그가 가문의 식료품 사업을 잇기를 바랐다. 그를 화가의 길로 돌려세운 이는 야외에서 작업하던 지역 풍경화가 외젠 부댕이었다. 부댕은 십대의 모네에게 하늘과 바다, 구름만이 추구할 가치가 있는 주제라고 말했다.

그는 공식 살롱전에서 거듭 거절당할 야심을 품고 1859년 파리에 도착했다. 에콜 데 보자르는 역사화를 원했다. 알레고리, 신화, 초상화, 스스로의 중요성을 선언하는 장면들이었다. 모네가 그리고 싶었던 것은 정오의 정원에서 여인의 드레스 위로 떨어지는 빛, 눈이 그림자의 색을 바꾸는 방식, 겨울 오후의 낮은 햇빛이 건초더미를 붙잡는 순간이었다. 제도권이 원한 것과 그가 만들고 있던 것 사이의 간극은 그의 경력 첫 10년을 구성한 근본적 긴장이었다.

결정적인 순간은 1874년 독립전에서 찾아왔다. 이곳에서 모네는 르아브르 항구에서 그린 작은 캔버스 Impression, Soleil levant를 선보였다. 이 작품은 항구의 안개 너머로 보이는 새벽빛을 대담하고 망설임 없는 붓질로 포착했다. 루이 르루아라는 비평가는 작품 제목을 이용해 운동 전체를 조롱하며 참가자들을 경멸의 뜻으로 ‘인상주의자’라고 불렀다. 모네와 피에르오귀스트 르누아르, 알프레드 시슬레, 카미유 피사로를 비롯한 동료들은 그 명칭을 받아들였다. 모욕이었던 말은 19세기 서양 미술에서 가장 영향력 있는 운동의 이름이 됐다.

그의 통찰은, 그리고 그것을 적용한 방식은 거의 방법론적이었다. 서로 다른 빛과 날씨, 계절 속에서 본 하나의 모티프는 같은 대상을 여러 번 본 것이 아니라 매번 다른 대상이라는 것이었다. 그는 1890년 Les Meules 연작을 시작으로 같은 건초더미를 여름빛 아래서, 10월의 안개 속에서, 눈 아래서, 해질녘에 두어 번이나 그렸다. 이어 루앙 대성당 연작이 나왔다. 2년에 걸쳐 서로 다른 시간대에 그린 같은 파사드의 그림 30점이었다. 돌은 부차적인 것이었다. 그것을 보이게 한 빛이 실제 주제였다.

1899년 나다르가 촬영한 클로드 모네 — 1899년 지베르니의 클로드 모네. 사진: 나다르 / 퍼블릭 도메인.

그는 1883년 지베르니로 이주해 집과 주변 토지를 임대한 뒤 1890년 그 부동산을 매입했다. 그곳에 그가 조성한 정원, 특히 엡트강의 작은 지류를 끌어들여 만든 수련 연못은 그의 주제이자 작업실이 됐다. 그는 일본식 다리를 세웠다. 식물은 의도적으로 색의 호를 이루도록 배치했다. 그리고 자신이 만들어낸 것을 수천 번 그렸다. 서로 다른 각도와 시간대에서 그려낸 이 작업은 서양 회화사에서 하나의 주제에 바친 가장 길고 지속적인 명상이라 할 만했다.

장화를 손에 들고 팔레트 나이프로 야외에서 작업하는, 자연 세계의 고독한 시인으로서의 모네 이미지는 부정확했다기보다 치밀하게 유지된 것이었다. 그는 시장의 역학을 이해한 최초의 근대 예술가들 가운데 한 명이었다. 그는 화상들과 체계적으로 서신을 주고받았고, 관심을 극대화하도록 완성된 연작의 공개 시기를 조절했으며, 전문 판매원 같은 세심함으로 프랑스 전역의 컬렉터들과 관계를 유지했다. Les Meules 연작이 1891년 뒤랑뤼엘 화랑에서 판매에 나왔을 때, 15점이 사흘 만에 팔렸다. 낭만적인 야외 제작의 이미지와 그 이면에 있는 계산적인 상업적 지성 사이의 모순은 스캔들이 아니다. 그것은 그가 제도권의 지원 없이 30년간 작업을 지속하게 한 바로 그 힘이었다.

백내장은 1912년 무렵 공식적으로 진단됐다. 1922년이 되자 모네는 파란색을 거의 구별하지 못했다. 수정체가 너무 심하게 황변해 그의 시야 전체를 빨강과 주황 쪽으로 걸러냈기 때문이다. 그는 1923년 수술을 받았지만, 적응 기간은 혼란스러웠다. 교정된 눈은 색을 지나치게 차갑게 보이게 했고, 모든 것은 거칠고 낯설었다. 전해지는 바에 따르면 그는 이 과도기에 그린 작품 일부를 파괴했다. 그는 1926년 12월까지도 작업을 계속하다 세상을 떠났다. 프랑스 국가에 선물할 의도로 제작했고 1927년 오랑주리 미술관에 설치된 거대한 Nymphéas 패널들은, 일부 길이가 4미터를 넘는데, 바로 이 손상된 시력의 시기에 완성됐다. 이 작품들은 이후 컬러 필드 화가들, 추상표현주의자들, 그리고 색을 묘사가 아니라 경험으로 다룬 모든 후속 운동에 영향을 미쳤다.

그의 첫 번째 아내 카미유 동시외는 1879년 세상을 떠났다. 그는 그 상실의 순간에도 화가로서 관찰하는 일을 멈출 수 없었다고 말했다. 훗날 자신을 괴롭혔던 거리감을 지닌 채, 그녀의 얼굴 위에서 변해가는 색을 기록했던 것이다. 그는 이후 앨리스 오슈데와 결혼했고, 그녀의 자녀들은 지베르니의 대가족에 합류했다. 그의 아들 미셸은 1966년 영지를 에콜 데 보자르에 기증했으며, Fondation Claude Monet은 같은 해 대중에 문을 열어 이후 계속 방문객을 맞고 있다.

모네 서거 100주년은 2026년 12월에 맞는다. 기념 프로그램은 대규모로 마련됐다. 오르세 미술관의 전례 없는 대여를 바탕으로 한 도쿄 Artizon Museum의 대형 회고전, Water Lilies가 그를 규정하기 전의 초기 시절을 추적하는 지베르니 전시, 여름 내내 노르망디 전역에서 펼쳐지는 동시대 예술의 응답이 그것이다. 4월에는 100년 넘게 개인 소장돼 온 모네의 캔버스 두 점이 파리 소더비 경매에서 650만 유로에 팔렸다. 시장과 미술관, 관광 산업은 그가 남긴 작업의 규모를 계속해서 소화하고 있다. 그의 그림은 이미 100년간 관심을 붙들어 왔다. 100주년은 작품들이 필요로 했던 것을 아무것도 더하지 않는다.

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