Celine Daemen, 가상현실을 오페라 무대로 바꾼 감독

Celine Daemen

출생	1995 Netherlands
직업	이머시브 영화 감독
수상	Venice Immersive Grand Prize · Reflet d'Or · Silver Yusr

가상현실 산업이 모두에게 메타버스를 약속하고 있을 때, 셀린 다에멘은 에우리디케를 생각하고 있었다. 정확히 말하면 그리스 신화 속 길 잃은 소녀라기보다는, 평범한 시간이 멈추고 사람을 자신에게 고정시키는 법칙이 조용히 해체되는 공간으로 내려가는 특별한 감각에 더 가까웠다. 다에멘의 관점에서 VR은 바로 그런 경험을 위해 만들어진 매체다. 테마파크도, 기업 교육 시뮬레이션도 아닌, 오페라가 당신을 불시에 사로잡을 때 하는 일과 더 가까운 무언가를 위해서 말이다. 이러한 입장이 그녀를 몰입형 시네마의 가장 화려한 수식어를 가진 인물 중 하나로 만들었고, 그 인정을 받게 해준 기술을 이제 의도적으로 넘어서고 있다는 사실은, 그녀가 이 매체를 얼마나 진지하게 대하는지, 그리고 그 매체에 의해 정의되기를 얼마나 거부하는지를 말해준다.

다에멘은 네덜란드 마스트리흐트 공연예술대학(Maastricht Institute of Performing Arts)에서 연출을 공부했으며, 2018년에 그녀의 관심사를 이미 드러낸 작품 Inside로 졸업했다. 이 작품은 두려움과 외로움을围绕해 구축된 360도 단일 시청자 비디오 설치물이었다. 이 작품은 전통적인 의미의 서사가 없었다. 관람객은 연상적인 감정의 장(場) – 비디오 이미지, 음악, 레이어드 사운드 – 속에 배치되어 직감으로 탐색하도록 남겨졌다. 편안한 경험이 아니었다. 편안하게 디자인되지도 않았다. 이 작품이 그녀의 경력 초기에 확립한 것은, 다에멘이 기술을 사용해서 시청을 더 쉽게 만드는 데 전혀 관심이 없다는 점이었다. 그녀는 1995년 네덜란드에서 태어났으며, 그녀가 거쳐온 문화적 맥락 – 네덜란드 연극, 현대 오페라, 실험 음악 – 은 몰입형 미디어의 스타트업 논리와 묘하지만 생산적으로 어긋나는 일련의 형식적 참조점을 제공했다.

2010년대 후반에 이어진 작업은 연극, 퍼포먼스, 그리고 초기 몰입형 실험 사이를 넘나들었다. De Opera van de Vallende Mens(떨어지는 사람의 오페라, 2019)는 심리적 취약성을 경험하는 사람들과의 인터뷰에서 비롯된 작품으로, 음악과 영상을 창문이 아닌 거울로 사용하여 외로움과 슬픔에 관한 VR 오페라를 구축했다. Sneeuwen(눈 내림, 2019)은 배우 마리트 호이스휘르(Marit Hooijschuur)와 작곡가 마르크 마흐푸드(Marc Mâhfoud)와 함께 어린 관객을 위해 연출되었으며, 순수한 시와 실존적 질문의 풍경 속에 표류하는 한 소녀를 배치했다. 더 이른 시기의 단편 영화 De vrouw die oneindig wilde zijn(무한해지고 싶었던 여인, 2018)은 산네 스미츠(Sanne Smits)와 공동 제작되었으며 삶과 죽음 사이의 과도기적 단계를 배경으로 하여 빌바오 국제 영화제(Bilbao International Film Festival)에서 인정을 받았다. 연극적 언어는 이미 거기에 있었고, VR 도구들은 하나의 작품씩 조립되고 있었다. 두 주요 VR 작품들은 그녀의 시그니처 움직임이 될 것을 보여주었다: 오페라, 신화, 서정시와 같은 고전 예술 형식을 오직 몰입형 공간에서만 존재할 수 있는 경험을 위한 구조적 비계로 사용하는 것이었다.

팬데믹은 그 방법을 더욱 날카롭게 만들었다. Monologues for Nothing(2020-2021)은 봉쇄 기간 동안 젊은이들의 손에 VR 헤드셋을 쥐어주고, 기술을 통해 그들을 자신의 도시 위와 공유된 가상 공간으로 날려 보냈다. 다른 이들이 VR을 오락으로 보는 반면, 다에멘은 그것을 교회 지하실이 항상 그래왔던 어떤 것으로 보았다: 고립이 잠시 동안 교감이 되는 방. 연구 프로젝트 Nowhere(2021-2022)는 Muzieklab of Intro in Situ, VIA ZUID, De Effenaar Smart Venue의 크로노스피어 연구소(Chronosphere lab)와 협력하여 개발되었으며, 그녀가 계속해서 자신의 영역으로 주장해 온 철학적 영역 – 현존과 부재 사이, ‘어딘가’와 그 경계를 정의하는 공백 사이의 공간 – 으로 더 깊이 들어갔다.

2022년에는 Eurydice — A Descent into Infinity가 나왔다. 25분이 넘는 VR 오페라로, 관객이 끝없는 건축적 미로를 실제로 걸어 다니며 신화 속 에우리디케를 따라 공허 속으로 들어가도록 했다. 형식적으로 엄격했으며 – 다에멘은 관조적인 속도와 전통적인 극적 해결의 거부에 대한 참조점으로 타르코프스키(Tarkovsky)와 샹탈 아케르만(Chantal Akerman)을 인용했다 – 이 작품은 10분도 야심 차게 여겨지는 매체에서 비정상적으로 길었다. 이 작품은 제네바 국제 영화제(Geneva International Film Festival)에서 최우수 몰입형 경험 부문 황금상(Reflet d’Or)과 은유스르상(Silver Yusr Award)을 수상했다. 같은 해 그녀는 스튜디오 네르헌스(Studio Nergens, ‘지금 여기 없는 곳’이라는 뜻)를 설립했는데, 이는 학제 간 작업을 위한 협업 허브로, VR 전문가, 작곡가, 연극 실무자, 디지털 아티스트들이 그들 혼자서는 만들 수 없는 프로젝트를 함께 작업하는 곳이다. 스튜디오의 이름은 철학을 정확히 포착한다: ‘아무 데도 없는 곳’은 다에멘이 항상 도달하려고 하는 공간, 경험의 평범한 좌표가 더 이상 신뢰할 수 없게 되는 장소다.

그리고 나서 Songs for a Passerby가 나왔다. 이 작품은 2023년 8월 제80회 베니스 국제 영화제(Venice International Film Festival)에서 10분짜리 VR 오페라로 초연되었다. 헤드셋을 착용한 관객들은 버려진 도시 풍경을 탐험하며, 자신의 3차원 스캔 버전이 그림자와 소리 사이를 이동한다. 그 사이에서 속삭이는 합창단이 노래하고, 들개들이 조용한 거리를 맴돌며, 어딘가 먼 곳에서 말이 불확실한 운명에 직면한다. 작곡가 아사 호르비츠(Asa Horvitz)와 대본 작가 올리비에 에르테르(Olivier Herter)가 다에멘 및 VR 아트 디렉터 아론 펠스(Aron Fels)와 함께 음악적 건축물을 공동 창작했다. 이 경험은 초현실주의 소설과 직접 걸어 다닐 수 있는 늦은 밤의 꿈 사이 어딘가에 위치한다. 심사위원장 싱첸 천(Singing Chen)이 이끄는 심사위원단은 이 작품에 이 분야 최고의 영예인 베니스 몰입형 대상(Venice Immersive Grand Prize)을 수여하며, 이 매체에서 가능한 것의 새로운 기준을 세우는 기념비적인 작품이라고 평가했다.

그런 찬사는 단순히 받아들이는 것이 아니라 검토할 가치가 있다. 베니스 몰입형 대상은 진정으로 권위 있지만, VR 시네마라는 범주는 여전히 불편한 중간 지대를 차지하고 있다: 장편 영화에 비해 너무 짧고, 대중 관객에게 너무 비싸며, 여전히 틈새 소비자 제품인 헤드셋과 대부분의 시청자를 위한 페스티벌 인프라에 의존한다. 이 매체의 비평가들은 몰입형 시네마가 영원히 ‘발표’ 상태에 있다고 주장한다 – 항상 돌파구를 마련하려 하고, 영화, 연극, 또는 녹음된 음악이 그러하듯 문화적으로 필수적이 되지 않으면서 기술적으로 인상적인 새로운 방법을 항상 찾고 있다는 것이다. 다에멘의 가장 강력한 반론은 수사적이지 않고 형식적이다: 그녀의 작품은 영화가 되려고 하지 않는다. Songs for a Passerby는 헤드셋을 쓴 영화가 아니다. 그것은 헤드셋의 특별한 문법 – 시청자의 시선이 갈 수 있는 곳에 대한 절대적 권위, 두 개의 좌표에 동시에 존재하는 신체의 고유 감각적 혼란 – 을 논증 그 자체로 사용하는 공간적 오페라다. 이것이 새로운 예술 형식을 구성하는지, 아니면 기술 능력에 대한 정교한 시연에 불과한지는 명쾌하게 해결되지 않는 질문이다. 다에멘에게 중요한 것은, 그녀가 업계가 선호하는 답변에 안주하지 않고 계속해서 이 질문을 던지고 있다는 점이다.

베니스 영화제 다음 해인 제81회 베니스 국제 영화제에서 다에멘은 참가자가 아닌 베니스 몰입형 심사위원장으로 돌아왔다. 이는 대부분의 감독들이 여전히 자신의 어휘를 찾고 있는 나이에 그녀가 가진 위상을 인정받은 것이다. 동시에 그녀는 뉴욕 링컨 센터의 오나시스 ONX 레지던시(Onassis ONX residency)를 통해 콜리더 펠로(Collider Fellow)로 선정되었으며, 이는 기술과 예술 연구의 교차점에 초점을 맞춘 8개월 프로그램이다. 스튜디오 네르헌스는 네덜란드 공연예술 기금(Performing Arts Fund Netherlands)으로부터 다년간 기관 지원을 받게 되었으며, 이는 네덜란드 문화 인프라가 이런 종류의 실천이 프로젝트 단위가 아닌 꾸준히 자금을 지원할 가치가 있는 미래를 가지고 있다고 판단했음을 의미한다.

그 미래가 어떻게 생겼는지, 다에멘은 지금 적극적으로 재협상 중이다. Nothing to See Here는 IDFA 닥랩(IDFA DocLab) 2025에 선정되고 2026년 페스티벌 세망(Festival Cement)에서 전시될 설치 작품으로, 헤드셋 없이 광학적 및 청각적 몰입을 제공하는 인터랙티브 디오라마다. 매체 전환은 의도적이다. 스튜디오 네르헌스는 VR을 넘어 사운드 설치 및 ‘VR이 무엇을 할 수 있는가?’라는 질문 대신 더 근본적인 것, 즉 몰입형 예술이 그 안에 있는 사람에게서 실제로 무엇을 원하는가? 라는 질문을 내려놓는 형식으로 확장되는 프로그램을 발표했다. 오나시스 재단(Onassis Foundation)의 EMARE 지원금은 이러한 확장의 기초가 되는 지속적인 탐색적 연구를 지원한다. 이것은 그녀에게 이 분야 최고의 상을 안겨준 작업에 대한 부정이 아니다. 그것은 다른 도구로 묻는 동일한 철학적 질문일 뿐이다.

자신의 매체에서 최고 상을 수상하고 즉시 그 매체의 필요성을 덜 느끼는 방법을 연구하기 시작하는 영화 제작자는 드물다. 다에멘은 여러 인터뷰에서 기술은 항상 그녀에게 수단이었지 목적지는 아니었다고 말해왔다. 그녀가 지금 다양한 형식과 기관, 두 대륙의 레지던시를 넘어 따라가고 있는 질문은, 그 수단이 줄곧 운반해 온 것이 무엇인지에 관한 것이다: 사람 자신의 존재를 확인해주는 평범한 단서들이 제거된, 청각적이고 시각적인 세계 안에 서 있는 경험이 그곳에 서 있는 사람에게 실제로 어떤 영향을 미치는지에 대한 것이다. Nothing to See Here는 현재 진행 중인 답변이다. 앞으로 또 다른 답변들이 있을 것이다.

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