피에르오귀스트 르누아르, 굳어가는 손으로 기쁨을 그린 화가

피에르오귀스트 르누아르

Photo: Pierre-Auguste Renoir / Public domain, via Wikimedia Commons

출생	1841년 2월 25일 Limoges
사망	1919년 12월 3일 (78)
직업	화가
수상	uba85uc608uad70ub2e8 uae30uc0ac u00b7 uba85uc608uad70ub2e8 uc7a5uad50 u00b7 uba85uc608uad70ub2e8 uc0acub839uad00

피에르-오귀스트 르누아르는 생의 마지막 10년 동안 붓을 쥘 수 없었다. 류마티스 관절염으로 그의 손은 너무 굳어붙어 붓을 천 조각으로 손목에 묶어야만 했다. 카뉴쉬르메르의 올리브 숲 위 언덕에 있는 레 콜레트에 있는 작업실에서 휠체어에 앉은 채, 그는 회화 역사상 가장 관능적으로 살아있는 캔버스들을 계속해서 생산했다. 이 모순은 우연이 아니다. 그것은 르누아르가 실제로 주장한 바를 이해하는 열쇠이며, 그를 둘러싼 논쟁이 지금까지 멈추지 않은 이유이기도 하다.

그는 1841년 리모주에서 재단사의 다섯째 아이로 태어났으며, 세 살 때 가족이 이사한 후 파리에서 자랐다. 열세 살 때 루브르 근처 레비 형제의 공장에서 도자기에 꽃을 그리는 일을 했다. 그것은 예술이 아니라 직업이었지만, 곡면 위에 부드러움과 생기를 만드는 손을 훈련시켰다. 그 상업적 기반이 모든 것을 형성했다. 르누아르는 인상파 동료들이 가진 이론적 야망을 결코 발전시키지 않았다. 그는 아름다운 것을 만들고 싶었고, 그것을 원한다고 사과할 이유도 없다고 생각했다.

1862년 샤를 글레르의 화실에서 그는 클로드 모네, 알프레드 시슬레, 프레데릭 바지유를 만났다. 이들은 인상주의가 될 운동의 핵심이었다. 함께 야외에서 그림을 그리며 사물 자체가 아니라 특정 순간의 모습을 쫓았다. 1869년 라 그르누이에르에서 르누아르와 모네는 센 강 위의 떠 있는 카페에서 작은 캔버스에 나란히 작업하며 물의 반짝임과 여가를 즐기는 파리지앵들의 움직임을 포착했다. 그 순간들은 서양 회화의 역사에 다시는 닫을 수 없는 균열을 열었다.

1870년대 중반의 대형 그림들은 르누아르의 인상주의가 자신만의 목소리를 찾은 지점이다. 1876년 완성된 Bal du moulin de la Galette는 아마도 캔버스 위에 모인 가장 설득력 있는 쾌락의 논증일 것이다. 나뭇잎 사이로 스며드는 빛 아래에서 춤추고, 이야기하고, 술을 마시는 수십 명의 인물들이 그려져 있으며, 빛의 정밀함과 손의 확신은 음악이 들릴 듯하다. 같은 시기에 La Loge는 인상주의에게 가장 복잡한 사회적 이미지를 선사했다. 극장의 관람석에서 남을 바라보고 또 바라보이는 여성, 응시의 모호함이 완벽한 균형 속에 잡혀 있다.

1870년대 후반에서 1880년대 초반에 걸쳐 르누아르는 파리에서 가장 주목받는 초상화가 중 한 명이 되었다. 샤르팡티에 가족, 캉 다베르 가족 — 자녀들이 내면에서 빛나길 원하는 부르주아 후원자들이 그에게 와서 정확히 그런 결과를 얻었다. 1881년 완성된 Luncheon of the Boating Party는 거의 작별을 고하는 듯한 따뜻함으로 동일한 사회적 편안함을 포착한다. 그의 친구들, 미래의 아내 알린 샤리고, 그가 다시는 같은 방식으로 그리지 않을 단순한 쾌락의 장면.

1881년과 1882년, 르누아르는 알제리와 이탈리아를 여행했고, 로마의 라파엘로 프레스코화는 그에게 변화를 일으켰다. 그는 인상주의의 느슨함 — 구조의 부족, 그리고 그리기를 꺼리는 태도에 혼란을 느끼고 돌아왔다. 그는 이후 자신이 ‘période aigre’ (샤프한 시기)라고 부른 시기에 접어들어, 더 단단한 선과 더 고전적인 구성을 추구했다. 그 결과물은 1884년부터 1887년까지 작업한 Les Grandes Baigneuses였다. 거의 에나멜 스타일의 차갑고 꼼꼼한, 의도적으로 이전의 따뜻함과는 동떨어진 세 명의 목욕하는 여인들. 그의 인상파 친구들은 당황했다. 그래도 그는 계속했다.

1907년부터 1919년 사망할 때까지 카뉴에서 제작된 후기 작품은 가장 지속적인 비판적 논쟁을 불러일으켰다. 그의 몸이 악화될수록 캔버스에는 더욱 관능적으로 나체의 여성 인물들이 채워졌다. 얼굴이 살색으로 녹아들고 개성이 의도적으로 억제된 여성들. 미술사가 린다 노클린을 포함한 페미니스트 비평가들은 르누아르의 여성들이 전적으로 표면으로만 존재한다고 주장했다. 언제나 이용 가능하고, 쾌락적이며, 내면성이 제거된 존재라는 것이다. 이 비난은 쉽게 답할 수 없다. 후기 나체화에는 개인을 신체로 축소하고, 그 신체를 전적으로 화가의 소유인 이상으로 만드는 무언가가 있다. 르누아르의 성취를 진지하게 평가하려면 이것을 부인할 수 없는 형식적 숙련 — 색채의 조화, 피부 위 빛의 처리, 더 이상 손목을 굽힐 수 없는 남자가 만들어낸 순수한 기술적 발명 — 과 함께 놓고 봐야 한다.

그는 거의 마지막까지 작업을 계속했다. 그의 아들 장 르누아르는 나중에 아버지가 사망하기 전날, 루브르로 마지막으로 네덜란드 거장들의 작품을 보러 갔다고 회상했다. 여든 년 동안 빛이 무엇을 할 수 있는지 묻기만 한 남자의 마지막 응시였다. 피에르-오귀스트 르누아르는 1919년 12월 3일 카뉴쉬르메르에서 사망했다. 장은 이후 20세기를 대표하는 두 영화인 La Grande Illusion과 The Rules of the Game을 연출했으며, 비평가들은 그 속에서 아버지의 캔버스에 생명을 불어넣었던 사교 모임에 대한 동일한 시선 — 쾌락과 그 한계의 경계에서 포착된 사람들 — 을 추적해왔다.

그가 사망한 지 한 세기가 지난 지금도 그의 그림들이 계속 주장하는 바는 편안한 입장이 아니다. 그의 작품 중 가장 많이 복제된 작품들 — Bal du moulin de la Galette, Luncheon of the Boating Party, 후기의 목욕하는 여인들 — 은 그의 세계로 가장 쉽게 들어갈 수 있는 입구이면서도 그 내부에서 일어나고 있는 일에 대해 가장 불완전한 그림을 제공한다. 그것들을 만드는 데 필요한 노력이 그 대상들을 보는 방식, 혹은 보지 않기를 거부하는 방식을 정당화하는지 여부는 작품이 해결하지 못하는 질문으로 남는다. 그 미해결 상태가 그림들을 살아있게 만드는 것이다.

태그: artists, 화가, 프랑스 미술, 인상주의, 장 르누아르, 클로드 모네

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