스튜디오가 어떤 영화를 원하는지는 제목을 발표할 때가 아니라 감독을 지명할 때 드러난다. 파라마운트의 ‘데이즈 오브 썬더’ 부활, 톰 크루즈가 콜 트리클의 스톡카 운전대를 다시 잡는 이 소식은 거의 모든 곳에서 향수에 젖은 관객을 위한 또 다른 레거시 IP 발굴로 읽혔다. 더욱 의미심장한 디테일은 업계 소식의 한 줄 아래에 있다: 감독 후보로 거론되는 인물은 조나단 레빈(Jonathan Levine)이며, 레빈은 기질과 필모그래피 모두에서 오리지널을 만든 영화감독의 거의 정반대에 가깝다.

그 첫 번째 영화는 고(故) 토니 스콧(Tony Scott)의 작품이었다. 그는 ‘탑 건’ 이후 크루즈와 재회한 스타일리스트였다. 순수한 표면의 영화였다—크롬, 열기, 전투기처럼 프레임에 담긴 엔진, 가장 번쩍이고 가장 내면이 결여된 하이글로스 하우스 스타일. 아름답게 움직였지만 느껴지는 것은 거의 없었고, 평은 냉혹했으며 관객 반응은 예의상의 박수에 그쳤다. 그 영화에 부족했던 것이 바로 속편이 이제 제공하려는 것 같다.

레빈의 영화는 모두 내면이다. 그는 항암 병동을 배경으로 한 코미디 50/50, 부드러움에 관한 영화로 밝혀진 좀비 영화 웜 바디스, 샤를리즈 테론과 세스 로건의 호흡이 이끄는 대화 중심 로맨스 롱 샷의 감독이다. 그의 레지스터는 감정, 대화, 인간의 클로즈업이다—차량의 숭고함이 아니다. 그는 7년 넘게 장편 영화를 내놓지 않았으며, 그의 작품 어디에도 대규모 액션 세트피스를 연출한 적이 없다. 종이 위에서는 그에게 프로듀서의 레이싱 블록버스터를 맡기는 것이 미스캐스팅처럼 보인다. 크루즈의 지난 5년 경력에 비추어 읽으면, 그것은 하나의 테제처럼 보인다.

그 테제에는 이름이 있다: 탑건: 매버릭. 파라마운트와 크루즈가 그 영화와, 이 프로젝트를 다시 살렸다고 알려진 최근의 F1의 흥행 대박에서 얻은 교훈은 관객이 속도를 갈망한다는 것이 아니었다. 속도는 싸고, 대부분 CG로 만들어진다. 매버릭이 판 것은 애도였다: 진정한 엔진이 슬픔, 죽음, 돌아온 얼굴의 무게였던 레거시 속편. 그 장엄함은 그 아래에 무언가 아팠기 때문에 성공했다. 아픈 내면을 다루는 감독에게 레이싱 영화를 맡기는 것은 이상한 선택이 아니다. 그것은 매버릭 공식을 명백히—거의 너무 명백히—진술한 것이다.

스튜디오가 마력보다 감정을 쫓고 있다는 증거는 계속 쌓이고 있다. 레빈에 대한 신임 투표로 인용되는 바로 그 스포츠 드라마는 드라마다; 그의 스턴트가 아니라 테스트 시사회가 그에게 기회를 안겼다. 제작진은 진정성을 위해 NASCAR 자체에 접촉했고, 또 다른 탤러데가 나이트보다는 현실적인 이야기를 원하는 드라이버들과 상담했다. 오리지널의 훼손된 평판조차 자산이 된다: 신성시할 것이 없기에, 속편은 완전히 다른 종류의 영화가 될 자유가 있다.

그러나 크루즈가 완성한 장르는 한 번에 두 가지를 요구하며, 레빈은 설득력 있게 하나만 전달했다. 매버릭과 F1은 실내극이 아니다. 그들은 물리적 웅장함으로 연출된다—실제 조종석, 실제 중력가속도, 기계에 용접된 카메라—그것은 어떤 극적 민감성도 위조할 수 없다. 영화감독은 시속 200마일에서 인간이 느끼는 것을 정확히 이해할 수 있지만, 시속 200마일을 어떻게 촬영할지는 여전히 모를 수 있다. 이것이 파라마운트가 거는 내기다: 감정의 감독이 스펙터클의 문법을 스타일리스트가 감정을 배우는 것보다 더 빨리 배울 수 있다는 것.

스튜디오의 판단이 맞다면, 안티 토니 스콧은 스콧 자신이 이 소재로 결코 해내지 못한 것—’데이즈 오브 썬더’에 의미를 부여하는 것—을 해낼 것이다. 틀리다면, 파라마운트는 레이싱 영화에서 레이싱만 빼고 모든 것을 완벽히 해낼 것이 거의 확실한 감독을 고용한 셈이 된다.

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